虽然近些年来水彩画队伍不断壮大，创作题材不断拓宽，创作水平不断提高，风格上广泛吸收其他画种的有益因素，新的表现手法层出不穷，发展呈多元化趋势，但还需要加强对水彩画正确的认识，摆正水彩写生在水彩教学上的位置，为培养专业素质高的水彩画队伍打下基础。水彩风景写生是水彩教学中的重要环节，是提高造型能力色彩表现能力的重要手段，也是提高水彩技艺水平，熟练驾驭工具材料的有效途径，更重要的它还是搜集创作素材，沟通生活和创作关系的最好桥梁，有些风景写生本身也是一幅好的水彩作品。梵高说得好：“我把习作看成是种子，播种越多，越可望丰收。”这应该是一个画家永远的课题。
一、正确认识水彩画
目前由于对水彩画还存在片面性的认识，使学生对水彩画的学习失去兴趣。水彩教学在美术院校中，作为一种专业，通常是在一二年级时仅作为色彩训练，与素描一样准备进入某个画种专业前的一种基础训练，其训练过程一般不超过四五周。这其实对水彩画教学影响颇深，也反映出无视水彩画的艺术特色和审美价值以及社会功能的一种片面观。学生在素描、色彩等基础尚不扎实的情况下，就习作水彩画，往往显得束手无策而毛病百出，照顾了形，却失去了水色和透明；顾了水色，跑掉了形，只能靠反复洗刷或覆盖来调正形与色的关系。学好和画好任何一个画种都很难，而学好水彩画就更难，要求就更高。它除了和其他画种一样都得讲明暗造型、色彩关系等一整套基础之外，还要学会如何掌握不易控制的水性的流动和透明与形的结合。学生习作有的起初是水彩，至最后成了水粉画，水彩画特色已荡然无存；有的有几分水彩味，也改不了画面上的脏、灰、沉，即使有极少基础好的学生，刚摸到一点水性技巧，随着短短几周训练的过去，以后就再也没有这样的教学。这种教学安排，非但没有使学生对学习水彩画引起兴趣，反而从一开始就对不易掌握的水彩画产生了厌恶心理，造成学生在最后的专业选择上都抛弃了水彩画。因此水彩教学应在学生在素描、色彩等基础扎实的情况下作为一种专业来进行。
二、风景写生是水彩教学中解决问题的最佳途径
水彩画是一个技艺性很强，技术难度较高，难以驾驭的画种，但这也正是它的魅力所在，是它赖以生存的要素。因此，熟练地掌握水彩画的性能和技法，无疑是至关重要的。正如罗丹所言：“轻视技法的艺术家，是永远不会达到目的、体现思想感情的―这样的艺术家就像一个忘记给马喂料的骑马人。”但一味迷恋技法而难以自拔，也是没出路的。如今的水彩技法书，大都不厌其烦地介绍种种新奇特技，有误人之嫌。因为绘画的技法并非是创作的真实目的，它是为表现内容服务的，画家只有熟练地掌握了绘画技法，并能随心所欲、自然而然地表达自己的真实感受，甚至达到了天真、忘我的地步，才算进人了“无法而法乃为至法”的高境界。因此，技法的核心应该是“得心应手”，即“得之于心，应之于手”。所谓“得之于心”就是要用心去感悟，要像梵高那样“处处发现感情与灵魂”，要像巴尔蒂斯那样“传递事物之神”，像中国绘画那样“外师造化，中得心源”（《历代名画记》卷十）。所谓“应之于手”，就是要有绘画的功力和手艺，这应该说是艺术的起点，首先有了手艺的掌握，才可能进人创作。这手艺包括掌握素描和色彩的基本手艺，要有较强的造型能力和敏锐的色彩感觉及捕捉、表现色彩的能力。包括水彩画技法的基本手艺，要能熟练地驾驭画纸、颜料、水分和时间诸般要素，而且要能因势利导地处理种种水色的偶然效果；还包括用笔的基本手艺，做到下笔的“稳、准、狠”，因为水彩画难以修改且干后变浅变灰。可见画水彩画需要胸中有数，眼观全局，身手敏捷，随机应变。由此来看，水彩风景写生是锻炼眼睛和手的最佳手段。与静物、人物写生相比，风景写生有更大的自由度和包容性。它不像人物写生那样受到对象形态、动态、比例的严格约束，也不像静物写生那样单调乏味。它随着自然光线的变化丰富多彩，能将画者独特的发现收人画中，往往能寄托作者自身更多的情感。再者，风景画的对象广泛，千差万别，给技巧的发挥与个人风格的探究留有更大的空间。既训练我们的感受能力、概括能力和表现能力，使眼睛和手都得到锻炼，又培养了我们对生活和自然的热爱。是对生活在都市中的我们一种心灵的净化。
三、风景写生是水彩画创作的源泉
直接自然观察法作为英国水彩画的传统精华一直延伸到现在。桑德比他遍游英伦三岛，给后人留下了大量的水彩画作品，读他的作品能感受到身临其境的自然美。萨金特的水彩画作品能感受到空气的新鲜和阳光的沐浴。自然界时空的变幻性，视角的多面性，形式的多样性，这正是水彩画发挥特色的有利条件。画家在生动的自然环境之中，轻松愉快，人性自然“实有似无”的行为方式充分得到释放，心理上的松弛使人的情感自然而然地得到流露。我们并不反对呕心酝酿，反复推敲的巨作，但这实在不是水彩画之长处。
吴冠中说过：“水彩，水，彩，其特点就是在‘水’和‘彩’，不发挥水的长处，它比不上油画和粉画的力度，不发挥彩的特点，比之水墨画的神韵又见逊色，但它妙在水与彩的结合，彩墨虽也敷色，但以墨分五彩的墨来造形，水彩则主要以彩来造形。水彩画应发挥自己的特点。”
写生性是水彩画的主要特征之一，也是水彩画传统中的精华，这和中国传统绘画是不谋而和的，水彩画最早是在野外绘制，绘制者对景写生，快速、简洁完成画面，这亦和中国的“外师造化、中得心源”有着惊人的相似之处。中西绘画，都讲究画面中的“气”。“气”在中国理解为画面的元气，这种画面的元气来自宇宙和艺术本身的元气，是二者相融合的产物，水彩画同样也讲究画面上的呼吸、放松、沉着、窒息的气感的表达，它主要借助于画家自身对自然物像的认识，同时也融合了自身的绘画技巧。“韵”是指自然对象的个性、情调的显现。“气”“韵”相互作用，画面就有了节奏，有了生灵活现的物像。“气韵生动”是中国传统绘画的最高标准，也是水彩画的最高要求。
自然美水彩画所追寻的真谛。“自然”观念见于经典始于老子，其古典意义是自己如此，本来如此，通常如此。从审美范畴看，实指自然物、自然界。水彩画将自然转换为自然美，是以写生为契机，同时又以写生为核心施展相应的手段进行创作。自然无为的大千世界，是艺术创作取之不竭的源泉，更给水彩画家扩展了对自然界的观察、体验、认识、理解和欣赏，同时也为水彩画家摸索水彩画秉性，锻炼技能创造了条件。
有人将水彩画的风景写生看成习作，是一种不良倾向，习作也好写生也罢，它是水彩画显示自然美的独有相貌。诚然习作与创作之间没有一条不可逾越的鸿沟，即兴的发挥，偶发性的艺术效果，不仅反映了画家的灵性，也是画家长期累积的技术技能技巧成熟的必然。不少水彩画家偶然得到的作品，常常是再也不能复制的绝品。著名水彩人物画家查理・利德认为，“对我而言，水彩是一项令人舒畅又具启发性的工作，它的过程是令人兴奋，而且好似刺激的冒险经历。”这种“冒险”“刺激”的感受同样是中国许多水彩画家在创作中的深切感受。习作的现代审美价值，不光体现人的本性的恢复和高度的脱俗感，而且还深含着中国民族文化诗意般的底蕴。著名水彩画家王维新凡是看到感人的景物，往往感动得一发而不可收，于是迅速将速写记录下来再敷上轻快的水彩，这样获得的作品一般较有生气，所以他对此情有独钟，这是由于艺术家的思维是没有间隙的，总在生活中寻找感受的空间，每个细胞都蕴育着艺术之光点，并引发出熊熊火焰，表面看似平静，内心却波涛汹涌。经过宣泄，情感与形式得到了完满的统一。
当前，现代科技高度发达，可以拍出很清晰的风景照片，于是，许多人放弃了风景写生，靠临摹照片作画，照片可能细节较为详细，但机械的镜头是永远不能代替人的眼睛。它不能提供写生时那种生动、鲜明、强烈的现场感。在色彩方面，人的眼睛的观察有着主观能动性，和机械的反映是大不一样的。所以，我们要大力提倡画家到大自然中去写生，写生，再写生。